Player: Adam Smith

Le concept de la Main Invisible développé par Adam Smith m’a toujours fasciné. En ces périodes électorales étasuniennes où il est brandi comme argument ultime, quasi mystique, pour justifier la position de ceux qui pensent que leur égoïsme assumé est une forme de générosité indirecte et qu’une main invisible redistribuera les richesses qu’ils auront acquises, il est temps de remettre icônes et croyances à leur place.
Je propose la création d’un hologramme sur lequel la Main, exprimerait sans ambiguïté sa générosité profonde, dans un geste ferme, le majeur dressé, luxueusement couronné de valeurs résolument et définitivement acquises.

Cosmopolis est probablement une des plus grandes installations interactives jamais réalisées (2005). Ce dispositif de 25m de diamètre sur le développement urbain à fait le tour de Chine et a atteint jusqu’à 10 700 visiteurs par jours à Shanghai. Devant l’opportunité de présenter cette pièce de taille au Grand Palais, à Paris, je demandais à l‘entreprise qui la stockait d’évaluer la difficulté de la réinstaller. Il me fallut deux mois pour obtenir une réponse : Cosmopolis était parti à la décharge !

Les douze télescopes de réalité virtuelle conçus et construit pour cette installation ainsi que l’ensemble de la structure incluant ses douze écrans de 4 x 3 m se sont retrouvés naturellement « dumpés ». Bien entendu l’électronique, les écrans plasma et les PC ont été soigneusement récupérés. Je suppose, et les auteurs de cet acte courageux et symbolique ne se sont pas étendus sur le sujet, qu’il s’agissait de matière encombrante qui ne pouvait que freiner le retour des choses à la vie, autrement dit des équipements à une activité plus lucrative. Passablement agacé par l’épisode je dû me rendre à l’évidence, seuls les chinois auront contribué à construire un paysage urbain dynamique, mixant 12 villes de la planète par le simple exercice du regard. Seuls les habitants de ChongQing, Chengdu, Pekin et Shanghai ont pu laisser la trace mémorielle de leurs déambulations scopiques sur la « mémoire rétinienne collective » dont il me reste pour tout viatique quelques instantanés
Je ne pensais pas que la fréquentation régulière de la décharge à concepts entrainerait vers la décharge les projets réalisés, qui plus est de grande envergure.

Cela conduit à une relativisation de la chose artistique, qui porte à penser qu’il en est des œuvres de l’esprit comme des individus, lorsque l’on sépare l’esprit de du corps, quand on les « désactive » pour les pièces interactives, elles redeviennent une masse de matière inerte et donc sans valeur, ni marchande ni spirituelle.
L’équivalent en peinture reviendrait à récupérer la toile de lin en la débarrassant de toute cette matière encombrante et racornie qui lui confère une rigidité déplacée.

Je propose donc que dans l’évaluation de l’art on associe toujours à la valeur marchande de la pièce (VM), sa valeur résiduelle (VR), celle qui résulte du recyclage de ses composants. On considèrera que sur le plan financier, la valeur artistique d’une œuvre est la différence des deux montants VA = VM – VR. Je me souviens alors d’une discussion avec Judith Benhamou-Huet, éminente spécialiste du marché de l’art, qui m’expliquait qu’il arrive même que la VA soit négative. C’est à dire que la valeur marchande de l’œuvre soit inférieure à sa valeur résiduelle, si par exemple le transport à la décharge du matériau résultant avait un coût supérieur à sa valeur de reprise. Si les transports à la décharge sont au cœur de mes préoccupations, il est probable que je tente dorénavant de maintenir la VA dans le positif, et ceci afin de rester en bons termes avec mon banquier et ma conscience.

Players : Oliafur Eliason, Michael Bloomberg

Le Public Art Fund annonce le financement d’un nouveau projet urbain d’Olafur Eliason : The New York City Waterfalls. La rencontre la plus surprenante n’est probablement pas la présence de chutes d’eau dans New York mais la franchise du maire de la ville ; Michael Bloomberg, qui en toute honnêteté précise :
« Not only does public art excite and inspire New Yorkers, it helps draw visitors and adds millions of dollars into our economy” *

L’acceptation de l’art dans ses formes les plus extrêmes par les esprits les plus conservateurs a toujours été favorisée par leur plus petit dénominateur commun : l’argent, le retour sur investissement. La convertibilité du supplément d’âme en plus value financière constitue un moteur de fait de la production artistique et l’énormité des lieux d’art récemment construits dans les grandes villes de la planète répond bien à la même logique quand leurs commanditaires précisent off the record qu’il s’agit pour eux de reproduire l’effet Bilbao sous entendu la plus value touristique d’un édifice spectaculaire largement médiatisé. La question est alors de savoir dans quelle mesure un projet artistique trouve ses moyens dans sa médiatisation indépendamment de son propos ou bien s’il se dissout dans la logique de son financement ne véhiculant plus d’autre message qu’un compromis spectaculaire.

Le projet serait, dans l’ordre du spectaculaire de prendre à la lettre l’expression Time is money et de vérifier qu’en inversant le temps on continue de produire de l’argent.
Projeter sur la surface d’un immeuble (Time Square ?) une cascade inversée (Tribute to Eliason), l’eau remonterait le temps et la façade indéfiniment. Utiliser tous les écrans complices pour passer leur contenu en sens inverse, implanter de nouvelles horloges dans la ville ou inverser le sens des aiguilles d’une horloge remarquable (Grand Central ?). Multiplier les indices d’inversion du temps dans la ville. Surveiller simultanément la croissance du PIB municipal.

*«Non seulement l’art public intéresse et inspire les newyorkais, il attire les visiteurs et apporte des millions de dollars à notre économie.»
source : Public Art Fund

Réalisation et exposition de l’instance 1 de Dump by the Metre dans le cadre de l’exposition :

Des Grandes Questions à la Décharge (from the Big Questions to the-dump.net)
10 janvier – 8 février 2008
Ecole des Beaux Arts de Poitiers
10 installations de Maurice Benayoun (1994-2008).
Ecole Européenne Supérieure de l’Image
site de l’Eesi

Player : métro, ligne 1

Je ne dois pas prendre suffisamment le métro car j’ai découvert hier, et ce n’est peut être pas une première, les stations entièrement habillées par la publicité. Une seule marque, une station.
La fenêtre de wagon se déplaçant dans l’espace comme celle de la télévision se déplace dans le temps on ne peut s’empêcher de penser à Patrick Le Lay, précisant que ce qu’il vendait à Coca Cola c’était « de la minute de cerveau humain disponible » s’exposant ainsi à devenir le directeur de chaine de télévision le plus cité dans les décennies à venir.

Un cerveau humain totalement disponible est un cerveau mort.

On se rappelle que la publicité est entrée à la télévision pour aider à en financer les programmes et réduire le coût des abonnements. Nous avons assisté à l’inversion de ce projet qui a fait progressivement du programme la bande annonce et le support de la publicité, maintenant l’attente et l’attention du spectateur, augmentant sa réceptivité. On a oublié la première partie de la sortie de Patrick Le Lay :

 » pour qu’un message publicitaire soit perçu il faut que le cerveau du téléspectateur soit disponible. Nos émissions ont pour vocation de le rendre disponible : c’est-à-dire de le divertir, de le détendre pour le préparer entre deux messages « .

La RATP a-t-elle saisi toute la portée de cette phrase? Pour que le cerveau soit disponible il ne suffit pas de le maintenir bloqué devant l’image – contraint par l’habitacle- il faut aussi qu’il y soit ouvert et détendu.
Avant le message il faut le massage.

Dans la séquence d’événements qui caractérise le parcours d’une « ligne » de métro, les plans s’enchaînent avec un long fondu au noir. La station fait événement, donc sensation, donc impression. Mais le cerveau est-il suffisamment préparé ?

Je propose de s’inspirer de la chute du film Soleil Vert (Richard Fleischer, 73) où le moment d’extase attendu par tous les humains, s’avère être une préparation en douceur à l’euthanasie nécessaire à la mise en œuvre de l’eucharistie généralisée, chacun devenant, dans une ultime transsubstantiation fonctionnelle, la nourriture de l’autre. Dans cette scène l’impétrant est baigné dans l’image et la lumière dont les propriétés lénifiantes accompagnent l’effet du poison. Une promesse paradisiaque réalisée enfin, pour solde de tout compte.

Entre deux stations, l’intermède fonctionnel de l’inter-station s’interpose entre les intermèdes fictionnels des stations. Il reste à exploiter ce moment d’absence de sollicitation externe -susceptible de ramener le passager/spectateur à l’observation de ses semblables, réalité sans show- en travaillant la lumière extérieure de façon à ce que le regard soit comme hypnotisé, mettant le cerveau dans l‘incapacité de commander au cou un quelconque mouvement d’esquive. Une ambiance d’un bleu profond animé par une pulsation lente dans lequel le regard pourrait se perdre.

Une rame : 80m de cerveau vraiment disponible.

La citation complète de le Lay  » Il y a beaucoup de façons de parler de la télévision. Mais dans une perspective ”business”, soyons réaliste : à la base, le métier de TF1, c’est d’aider Coca-Cola, par exemple, à vendre son produit (…).
Or pour qu’un message publicitaire soit perçu, il faut que le cerveau du téléspectateur soit disponible. Nos émissions ont pour vocation de le rendre disponible : c’est-à-dire de le divertir, de le détendre pour le préparer entre deux messages. Ce que nous vendons à Coca-Cola, c’est du temps de cerveau humain disponible (…).
Rien n’est plus difficile que d’obtenir cette disponibilité. C’est là que se trouve le changement permanent. Il faut chercher en permanence les programmes qui marchent, suivre les modes, surfer sur les tendances, dans un contexte où l’information s’accélère, se multiplie et se banalise. «  (source : acrimed.org)

Il est une catégorie d’œuvres* de la production actuelle qui trouve aisément sa place aussi bien en couverture de magazines que dans les salons de bon goût aux dimensions respectables. Le plus souvent, ces oeuvres conjuguent élégamment une proportion équivalente de tradition et de modernisme. Le principe alchimique appliqué est connu, même des profanes, et la nouvelle tendance de sculpture animalière est de cet ordre. On reprend ce qui a fait le succès du genre, au dix-neuvième siècle, et on le traite avec couleurs et matériaux qui opèrent un glissement stylistique nécessaire et suffisant. L’objet d’art rejoint dans son apparence l’objet de design et constitue par la même une provocation de bon goût, consensuelle.
Les procédures alchimico-artistiques qui convertissent une matière vulgaire en or sont multiples et l’on pourrait en dresser le catalogue. Les Pop artistes et les Nouveaux Réalistes réussirent en leur temps à faire de leur signature formelle un début d’étude taxinomique: compression, expansion, accumulation, changement d’échelle, changement de matériau, fragmentation, découpage, explosion… là où Marcel avait réussit avec le déplacement et la désignation.

À la manière de Cyrano qui, plutôt que de s’offusquer de la critique touchant à son appendice nasal, choisit d’en rajouter, je propose des mutations alchimiques plus radicales:

En réinjectant des propriétés du vivant (alchimie bio-mimétique)
Le tamagotchi est une version commerciale parfaitement illustrative du genre. Imaginons un instant l’œuvre qui dépérit si le collectionneur ne s’en occupe pas personnellement, jour après jour. La voix de son maître serait identifiée. Rien à voir avec l’œuvre d’arte povera pour laquelle n’importe qui peut remplacer la salade quotidiennement.

L’animal vêtu de peau d’homme véritable (alchimie éco-ethnologique)

L’animal qui croit et se multiplie (alchimie multiplicatrice). Tous les jours de nouveaux exemplaires sont livrés jusqu’à saturation de l’espace de vie ou de l’espace d’exposition.

La confrontation pour la survie de l’espèce (alchimie évolutionniste)
Deux espèces animales (robots?) dans un même espace. En tant que représentation, chacune défend face à l’autre ses valeurs et ses impératifs de survie.
Soit une des deux disparaît, soit les deux s’adaptent et conjuguent leurs efforts pour atteindre leurs objectifs.

Couleur évolutive (L’alchimie séductrice).
La couleur de l’objet change progressivement testant les différentes variantes en analysant le temps et l’intensité des dialogues à proximité. Présupposé : si l’on reste à proximité c’est soit que l’objet attire soit qu’il ne dérange pas. Après un temps de familiarisation, la couleur se stabilise sur les valeurs qui semblent traduire le coefficient d’attraction (ou d’indiférence) le plus élevé.

La question reste de savoir quand le résultat conserve son potentiel symbolique et quand il bascule du côté de la démonstration.

*j’abuse du terme qui hérisse tellement que c’en devient un plaisir

Projet pour Opendump.org. Pour stimuler le dépôt de projets, faire en sorte que certains puissent être choisis. Construire un modèle économique qui permet de financer une sélection de projets selon des modalités adaptées au réseau.
1/ Sélectionner les projets:
Créer un Curator Trust: sollicitant l’élite des commissaires d’exposition, proposer
a/ Qu’ils sélectionnent les projets remarquables en indiquant un ordre de priorité dans le passage à l’acte.
b/ Qu’ils soient d’office actionnaires de l’ODC Art Trust qui est un excellent moyen de garantir leur objectivité.

2/ Financer la production:
Proposer la création de l’ODC Fund:
C’est une forme d’actionnariat. Il n’y a pas de limite inférieure à la possibilité de participer au fond. Le mécène, quelle que soit l’envergure de son don, se trouve automatiquement actionnaire de l’ODC Art Trust, pour un montant proportionnel de son apport rapporté au budget global.

Le dispositif n’a pas pour but de faire des bénéfices mais de soutenir la création et d’inventer de nouvelles modalités de production et de diffusion de l’art.
Cependant on peut imaginer qu’à partir de la troisième année de fonctionnement, la vente d’œuvre donne lieu à un retour pour l’actionnaire, une fois déduite la part payée à l’artiste (à déterminer) et conservé 50% du solde pour financer de nouveaux projets.

Plus radical: On peut considérer que l’ODC Art Trust fonctionne comme un collectionneur, que son apport correspond à un crédit, en durée, de présentation de l’œuvre. Que la revente sert exclusivement à financer le développement de la collection, les moyens de production et de diffusion des œuvres.

player: Johanna Rieseneder, Gima Gallery, Berlin

Trouver des investisseurs. À la manière du Warhol de la grande époque, créer une usine dont le projet soit de construire les projets du Dump. De manière systématique (option : sélective). Autant d’œuvres qui seraient fabriquées par des artistes, artisans, écrivains, auteurs. Ces projets réalisés trouveraient ensuite leur marché grâce à l’équipe marketing d’OODD Factory.

Objection 1: peut être faut-il déjà être Warhol pour que la marque garantisse la distribution du produit.

Objection 2: « Tu crois au Père Noël? » (Do you believe in Santa Claus?)

Toute démarche artistique est-elle dénuée de business model?
L’artiste ne cible-t-il pas un public, une « clientèle » qui se passe de guillemets, un modèle économique qui devrait lui assurer la survie économique, psychologique, historique et/ou médiatique?
Le réseau induit des modes de production, de distribution et d’accès à l’information qui opèrent un glissement des logiques d’échange et des circuits marchands.
En quittant le Temple et le sacré, l’œuvre à adopté la logique d’image de l’aristocratie puis celle de la bourgeoisie ascendante.
Il est encore trop tôt pour déterminer si la fuite des matières par le réseau induira des comportements et une mutation significative de la production et des circuits de dissémination artistique.
Face à ce constat, le Dump devient un espace pour interroger et tester des modèles économiques, dissidents ou résolument conformistes.
Ces modèles eux-mêmes sont autant de projets d’action/création.