Aujourd’hui je présente le Dump en Sorbonne. Il faut que j’y dépose encore l’introduction à laquelle j’avais pensé et qui me semble maintenant inappropriée. On ne peut cumuler les écarts à la règle sans risque d’y perdre le sens premier du geste.

« On me l’a dit il faut faire court…
…pour contrebalancer les pages les mots dits tiendront en une phrase que j’énonce ici et qui me permet de rappeler que longtemps la question se posait à moi du pourquoi-faire-thèse? quand la recherche faisait mon quotidien sous la forme nécessaire de la production sans cesse mise en questions, quand les résultats s’enchaînaient me disant combien ce que je visais n’était pas là, toujours ailleurs et d’ailleurs je m’en accommodais fort bien comprenant que la fuite de l’ennui était comme l’objectif qui se redéfini sans cesse sur le métier, horizon hors d’atteinte, et j’avais imaginé que je pourrais m’en satisfaire sachant combien l’académie ne saurait prendre en compte une pratique non discursive, non verbale, qui s’éloignerait de l’odeur du papier pour sauver les forêts de mots trop nets pour ne pas cacher quelque chose de pas propre que j’espérais encore voir surgir dans les dérives et les débordements de la mise en forme plastique et dynamique d’image, matière à palpation au contact de laquelle les doigts se perdent dans la pensée trop fugace pour qu’on puisse en capter le flux perdu dans sa lancée sur laquelle je me laissait porter hanté néanmoins que j’étais par l’idée qu’un jour je parviendrai à me poser les mots et les questions qui permettraient à ceux par qui le sens arrive en lettres d’y voir plus clair et de comprendre qu’en effet de l’effet il est rarement questions dans mes errances formelles mais non formalistes qui cherchent autrement le chemin qui mène là qu’on appelait « nulle part », ici ou ailleurs, pourvu qu’on s’y retrouve entourés d’expérience à vivre et à produire probablement dans l’attente, l’impatience et le doute que le vide m’angoisse et que le plein m’étouffe et qu’alors je me sente prêt à choisir les mots pour arrêter le sens au vol qu’au moins on appréhende en cette stase quelque chose des doutes j’en doute et il fallut que la chose vienne à moi sous la forme d’un texte à la forme prétexte qui m’offrirait l’occasion d’asseoir les mots au jour le jour et de commencer à converser sans comprendre de suite que cela voudrait dire qu’il me faudrait répondre aux questions qui se posent d’elles-mêmes quand on se laisse aller à se raconter l’action en suspend dont on sait d’ailleurs qu’elle nourrit l’incertitude qui est probablement la base du questionnement vital, celui qui nous fait remettre à plus tard l’arrêt salutaire et paniquant du flux de la même pensée saisie dans la forme, tuée dans le mouvement, le dernier que l’on souhaite définitif par la justesse de la pose, la puissance du cri, le cou tendu qui dit la vie parce qu’il s’arrête à mort, là, et qu’il me faudrait donc accepter le pacte que je m’étais moi-même imposé sang et eau et que je nourrirais joyeusement et sans sacrifice véritable qui m’en fasse plaindre mais avec le sentiment curieux que j’étais en train de faire là ce que je croyais ne plus jamais tenter, de dire pourquoi et pourquoi pas, pourquoi ça et pas autre chose, qui donnerait plus de valeur au fait de faire et justifierait d’arrêter de ne rien faire que cela, qui ne dit pas avec des mots qui pourtant parviennent alors à faire surgir dans la formulation des motifs de l’insignifiance, des motivations de la remise en question, de la formulation claire des doutes et des certitudes provisoires, l’oscillation de l’intention en instance de passage à l’acte jusqu’à croire que finalement l’acte est là bien avant qu’il ne prenne forme dans le fait de forger le doute dans la masse, d’en faire une certitude définitive de sa prééminence dans la démarche boiteuse de l’artiste qui ne tenterait pas de la masquer en laissant croire, ultime pulsion auto-hagiographique, que l’histoire de son œuvre est un processus continu et que seul ce qui affleure mérite d’être perçu plutôt que de creuser sous la ligne de flottaison là où les fluides denses et visqueux masquent douloureusement le fondement de la trace, moins gracieux mais plus terrible car il annonce la catastrophe ou le jaillissement quand il ne se fond pas dans l’oubli et c’est là qu’écrire que mettre en mots devient le moyen de faire durer l’instant fugace ou la chose se discute encore où le projet se dessine candidat à l’existence qui le plus souvent retombe dans l’informe mais pas dans l’insignifiance et chaque jour du temps que compte l’écriture du Dump ce texte dont on tourne les jours comme on retournerait l’objet pour lire ce qui est écrit dessous, en connaître l’origine, en vérifier l’authenticité, découvrir le prix, chercher la signature tout ça nage sur la page et la raison d’être surgit progressivement de ce chaos apparent qui se dessine avec le temps comme le tracé fractal de la cote de Bretagne dont la roche capricieuse ne se donne à lire qu’avec le recul traduisant un destin qui ne saurait émerger dans la réalisation de projets avortés dignes de bocaux honteux que l’on cache en cave sans oser les jeter pensant qu’un jour un esprit plus malin saura y lire ce que maintenant on ne fait qu’oublier et c’est en cela que le Dump fait texte et fait œuvre à la fois énonçant le cheminement qui va de l’étincelle à la décharge (à idées) créant un statut particulier aux projets qui ne prennent leur valeur que dans leur énoncé et dont le développement ne serait que le début de la fin épuisant le potentiel d’imaginaire que les mot entretiennent ce qu’on s’épargnera trop sensible que nous sommes à l’importance du temps consacré à la chose et à la mélancolie que déclenche inévitablement le triste paysage d’une intention qui n’a pas su s’arrêter là en amont de l’objet chose ou acte qui trahirait son incapacité à passer du registre des idées à celui des phénomènes de foire à la monstruosité fascinante et repoussante qui n’est pourtant pas ce que l’on cherche ici car le morbide n’alimente pas suffisamment notre fantasmatique pour constituer le moteur dominant de l’action mais si la question est ailleurs c’est que surnage de l’écriture ce qui fait le vrai motif de ma présence ici de ces hypothèses pour un passage à l’acte différé parfois annulé naissent progressivement des projets -car il faut qu’ils en soient- de pensée qui explicite le processus sans le dérouter, qui donne à comprendre le sens de ces errances qui de micro-analyses en micro-conclusions font thèse de ce bois là et le pari du Dump devient enfin lisible quand le flux qu’il prône draine la pensée pour construire en chemin puis avec méthode une heuristique de la création en miroir dans un pays de mots où les frontières des genres et celles des supports ne suffisent plus à cantonner le projet qui dépasse on le sait le simple enjeu formel et quand en d’autres temps on a pu voir en mes travaux des « jeux (video) métaphysiques » ce texte que je vous donne à lire suit un temps une règle celle de l’académie pour entraîner le lecteur vers des synthèses multiples bien à l’image des pratiques multiformes qui se laissent faire en art sans se laisser aller… « 

Élégamment traduit par l’Académie par « hameçonnage », le phishing est une pratique qui consiste à revêtir les atours d’une institution pour glaner des informations susceptibles d’enrichir illégalement celui dont le déguisement est suffisamment convainquant pour parvenir à ses fins. Qui n’a jamais reçu de message émanent d’honorables institutions telles que eBay l’enjoignant de toute urgence de communiquer numéro de carte de crédit et autres codes bancaires afin d’échapper aux poursuites judiciaires ou à un usage manifestement frauduleux de son identité dont il aura garde de se préserver en obtempérant séance tenante?

Comment détourner le procédé pour la noble cause de pratiques artistiques en mal de reconnaissance ?
Ceci entre dans la série du design de carrière d’artiste dans le droit fil de projets comme I’ve Heard of It qui fonde la notoriété d’un artiste non sur le fait qu’il ait produit quoi que ce soit mais par le fait qu’il ait su entretenir la rumeur sur sa production qui, pour suivre l’épure, devra être essentiellement et définitivement inexistante.

Je propose donc de choisir quelques supports médiatiques incontestables. Choisir les auteurs les plus pertinents sur le support. Créer nom de domaine, mailing et page web de manière à ce qu’ils semblent directement issus du média d’origine. Produire la critique qu’on aurait apprécié ou craint d’y lire. En effet, pour bien faire il faudra conserver le ton de l’auteur même si le résultat se montre foncièrement critique, condamnant radicalement le cas échéant, si cela peut sembler pertinent, la pratique de l’auteur à promouvoir. L’impact en effet est d’autant plus grand que la critique est forte, voire juste et l’on sait que l’impact du gourdin laisse des traces plus durables que celui de l’encensoir. Le phishing de notoriété, drainant un public ciblé vers son sujet pour lui extorquer ne serait-ce qu’une émotion, même négative, est à ajouter à la palette de l’artiste soucieux du devenir de ses intentions face à l’incertitude des émotions esthétiques ou sensibles que provoquerait sa seule production im-médiate.
Serait-il condamné pour avoir su produire ou anticiper les « vérités historiques » que certains ne se seraient pas privé d’énoncer s’ils s’étaient donné la peine d’en écrire les premiers mots?
Il arrive que la critique emprunte à l’artiste ses images pour y accoler des intentions louables ou coupables, mais qu’en aucun cas celui-ci ne revendiquerait. Il est temps qu’en retour l’artiste aussi puisse choisir son critique, empruntant à ce dernier ses mots pour exprimer ses propres idées.

25 février 2007 (oubli réparé)
Players: Marcel Duchamp, Nicolas Bourriaud, Beaux Arts Magazine

Paysage Fautif
1946, sperme sur satin

Précurseur s’il en fut, Marcel Duchamp a aussi été un des tout-premiers à produire du bio art. Son Paysage fautif, l’est à plus d’un titre, figurant, à son corps consentant, la carte d’un pays pas sage, témoignage indéniable du processus de création interrompu, sperme sur satin détourné de sa destination première.

Deux lectures possibles du « processus de production »:

Soit ce paysage spermatique correspond à une « pollution nocturne » sévèrement condamnée dans les pensionnats de la fin du 19ème et début du 20ème siècle;
Soit il est le témoignage fortuit de la volonté d’émettre hors du sujet pour ne garder de l’acte que le plaisir, probablement supérieur dans des draps de satin.

Dans les deux cas le plaisir joue un rôle déterminant traduisant une recherche permanente chez Duchamp. Dilettante affirmé qui délaisse l’art de métier pour une pratique apparemment libérée des normes et des contraintes, pour enfin jouir du plaisir du renouvellement permanent. Plaisir intellectuel de constructions sophistiquées dans lesquelles le coup d’échec jamais n’abolit le hasard du verbe et le plaisir de la chair offerte qui n’a pas de prix. Il est d’autant plus surprenant de constater que les suiveurs/suivistes n’ont pas retenu du maître cette leçon de choses. Dans le milieu autorisé en effet, plus le propos est docte plus le visage fermé, comme si le code en vigueur cherchait le sérieux de l’intention dans l’humour et le plaisir de l’acte. Celui-ci déculpabilisé par sa remise dans le droit chemin d’une fécondité sinon souhaitée, du moins acceptable.
De l’autre côté de la planète la lecture est toute autre sur la base des mêmes indices: En 2005, une exposition Duchamp à Tokyo arrachait au commentateur nippon une réflexion agacée sur les délires sans intérêt d’un obsédé sexuel pathétique, rayant d’une phrase la légitimité d’une lignée fécondée sur le satin, certes un peu sec, maintenant.

Dans sa trivialité outrée, le geste n’en est pas moins remarquable. Il n’est pas innocent non plus que ce message soit présenté comme un tableau (paysage envoyé à sa maîtresse). Ce n’est pas une lettre parfumée. L’émission de Marcel pour sa belle se présente comme une création. La production de l’artiste qui se refuse de l’être devient littérale: Le sperme de Duchamp et la merde de Manzoni, le projet et le déjet. D’un côté la promesse définitivement non réalisée, ou plutôt l’affirmation peut être dérisoire de la supériorité de l’artiste sur la nature, qui crée, le monde (le paysage) comme représentation, en refusant de créer à son image. Peut-être plus que Fontaine, réceptacle standard industriel élevé au rang d’œuvre d’art, l’émission jouissive constitue un manifeste du ready selfmade génétiquement vrai, abstraction lubrique codée dans la masse, fusion du medium et du message qui replace l’artiste à l’origine absolue de l’œuvre, à la fois magistrale et dérisoire.

Le projet :
L’alchimie duchampienne et l’alchimie manzonienne sont diamétralement opposées : la réduction du sperme en amour et la mutation de la merde en or supposent un rapport différent au destinataire, à l’instance de validation, au stock exchange des valeurs symboliques convertibles en plaisir ou en dollars. Duchamp fait partie de ces artistes qui ont choisi de fréquenter le monde de l’art comme activité alimentaire pour mieux par ailleurs, et à compte d’auteur, donner de sa personne à vide.

Le projet donc est un projet de carrière d’artiste fondé sur le relevé systématique de ses émissions, tout ce qui émane de son corps soigneusement recueilli et répertorié, et non stocké mais envoyé aux instances appropriées: la galerie, la banque, le partenaire amoureux, la famille, l’armée, le laboratoire, le gouvernement. Le revenu s’il y a lieu de la distribution servira à continuer d’alimenter le corps en fluides, solides et stimulations de tous ordres.
Une version extrême consisterait pour l’artiste à être alité, de multiples perfusions et cathéters alimentant et prélevant sans discontinuer ce que le corps absorbe et ce qu’il produit. Le corps devient alors l’alambic, à l’image simplifiée que proposent Vaucanson ou Wim Delvoye, de l’alchimie artistique qui réduit l’art à l’exercice de ses fonctions organiques, l’expression la plus rigoureuse de son individualité, et sa pratique connectée au corps social comme ultime processus de survie.

25 février 2007 (oubli réparé)
Player: Bernard Marcadé, Marcel Duchamp

Duchamp aurait dit : « je n’ai jamais eu envie de faire une école du Ready Made »
Duchamp se préoccupait si peu de sa postérité, du moins le pense-t-on, qu’il faudrait prendre en compte le désir caché du maître qui refuse officiellement de faire école.
Le message pourrait être: « je ne veux pas (ne peux pas) le faire moi-même ». Le message dit peut être aussi que l’école, base historique de l’académisme, ne naît pas traditionnellement de l’enseignement du maître, mais de sa consécration comme modèle par ceux qui ne l’on pas compris.
Prenons-le à la lettre: qu’est-ce qu’enseigner le ready made?

L’art de reproduire (le geste de Duchamp), l’acte de désigner (l’adoubement de l’objet par son artiste même), l’acte de neutraliser, nier la différence entre artistes, affirmant la valeur esthétique de l’objet industriel, neutraliser la touche du maître cantonnée à la signature. Quoi qu’il en soit, l’école du Ready Made ne pourrait être une école de l’humour, car soit l’humour du geste, né de la lassitude et du constat affligeant d’un monde de l’art expression permanente d’une forme aiguë de conformisme: ce qu’on appelle la loi du marché, mais c’est LA Loi (market lex, sed lex), soit cet humour n’a pas été perçu soit il n’est acceptable que dans sa forme diluée.
Le projet, bien à sa place dans le Dump (catégorie ANMA, Already Not Made Art):
Créer une école pour produire industriellement des artistes produisant des actes singuliers. Standardiser la production de la différence. En faire une image de marque calibrée jusqu’à sa forme extrême, la plus fine en termes de calibration, où la différence dans l’œuvre est tellement ténue qu’elle lui est extérieure: désignation ou contextualisation, le doigt et le cadre, au point qu’on puisse en oublier l’objet.

André Rouillé en veut à Buren de redire combien le glissement du rôle du commissaire vers celui de l’artiste lui semble une usurpation de fonction. Seule l’artiste aurait la capacité d’endosser la fonction de commissaire car elle lui revient de droit. C’est dans son cœur de métier. A.R. voit là une prétention extraordinaire de l’artiste qui ne voit pas la spécificité de l’art curatorial (au moins l’anglicisme permet d’échapper à la répétition en offrant une alternative mélodique sans connotation policière, néanmoins un rien chirurgicale). Il me semble clair que les deux ont raison : Buren pour avoir perçu et dénoncé la mutation, Rouillé pour dire qu’il faut en apprécier la portée. S’il y a débat c’est qu’en fait la conciliation des deux positions suppose l’appréhension d’un phénomène qui relève de ce que l’on pourrait appeler la « mutologie » quotidienne, l’observation de la dérive des plaques dont l’étude sémiotique s’impose.

Risquons des hypothèses qui faute d’être nouvelles méritent d’être énoncées:
Causes et effets : il faudrait se demander si c’est la gangue curatoriale en pleine pulsion créatrice qui contiendrait, telle la chape de confinement du réacteur de Tchernobyl, la production artistique dans l’insignifiance; ou bien est-ce l’inconsistance de la production -dont se dégagent difficilement des tendances dignes des avant-gardes historiques- qui invite ou oblige les commissaires à chercher le sens au-delà de l’œuvre, à construire du discours sur de la matière inerte, à chercher la forme dans la glaise de la création de masse.

L’inconsistance de l’art et son atomisation donnerait à la matière artistique la plasticité qui fait les grands media.

En fait, il est simplement difficile d’admettre que parfois, quand il devient auteur d’un discours qui dépasse la somme des parties, le commissaire est un artiste comme les autres. Que son medium est l’art, qu’il soit fait sous son impulsion – et l’on constatera que le plus souvent ce type d’exposition/installation regroupe des pièces produites pour l’occasion, sur commande- soit sous sa direction ou sa bénédiction. Il agit en cela à l’image du producteur hollywoodien vis-à-vis des scénaristes, des acteurs et du réalisateur-technicien (c’est l’appellation officielle du CNC par opposition à réalisateur-auteur).
En se révoltant Buren défend la politique des auteurs, alors qu’il devrait applaudir à la naissance d’une nouvelle catégorie artistique. D’un autre côté, le commissaire-auteur devrait totalement assumer son rôle qui le ramène ou le hisse, dans la hiérarchie du pouvoir propre à la sphère artistique, au niveau des artistes.

On assiste actuellement à la valse des étiquettes qui mène le débat : récemment Sophie Calle invite Buren comme commissaire à la Biennale de Venise, et là le paradoxe ce n’est pas qu’un artiste devienne commissaire mais bien que ce soit un autre artiste qui le désigne comme tel. Peu après, risquant la confusion avec l’institution, Hans-Ulrich Obrist et Stéphanie Moisdon exposent à leur tour, à la biennale de Lyon, non des artistes mais des commissaires. Le commissaire est un medium comme les autres.
« Commissaire de commissaires » est probablement le sommet de la hiérarchie dans le questionnement sur le medium qui reprend soudain de l’actualité. Le médiateur médiatisé par son médiateur même. Délégation, distanciation, renonciation, indétermination, surdétermination, on en finira plus de gloser sur ce qui trahit plus une mutation esthétique qu’une incapacité à traiter le sujet. On imagine bien néanmoins qu’il sera difficile d’aller plus loin dans cette direction au risque de faire disparaître, à force de la faire glisser, la raison même de toute cette agitation autoréflexive : l’œuvre (n’ayons pas peur des mots).
Et l’exposition, telle le couteau sans manche auquel il manque la lame, présentera un groupe de commissaires nus errant, coupe à la main, dans un cocktail interminable d’un vernissage-exposition visité par un public de commissaires en plein casting.

Une lame de fond vient de plus loin encore: celle qui considère que le matériau de la production, artistique, télévisuelle, médiatique n’est plus totalement contrôlé par l’auteur mais activé dans une situation écrite. La confusion vient de la fusion entre catégories, artiste/œuvre, commissaire/artiste dont on ne peut que se réjouir comme de toute transgression nouvelle pour peu que le jeu soit clair.
L’expression la plus médiatique de cette évolution est fournie par la téléréalité qui nous entretient dans l’idée que les spectateurs sont des acteurs d’une nature différente, à la fois meilleurs et bien pires, à l’autonomie certes incontrôlable mais pas réellement imprévisible. Les auteurs créent du contexte, font de la programmation, définissent les règles, le cadre. Les exemples se multiplient de l’effacement orchestré des frontières entre fiction et réalité dépassant les prophéties situationnistes les plus alarmistes. La fiction est construite sur la base d’un réel en kit auquel il manquerait des pièces, la guerre est un spectacle de news aux titres 3D virevoltants, les messages frappent les tours et les esprits au vingt heures et l’audimat se compte en cadavres.

Si les medias exacerbés par l’explosion des technologies de communication ont facilité les mutations et les permutations, c’est qu’il y a une attente derrière ce glissement. Si l’artiste ne peut plus se contenter de produire un objet achevé offert à l’appréciation de l’humanité pour l’éternité, il peut exposer le sujet en situation en croyant à la dimension éclairante de la mise en scène. Ce que je nomme parfois fusion critique.

projet dumpé Exhibition Publique Art Reality Show [ARS]

Pour une oeuvre improbable, « Cast in Sigh », quelques phrases à glisser sur les blogs et les listes, ou dans des versions modifiées de textes émanant de critiques célèbres cités fort à propos, une partie du texte original étant conservée:
« Il en va tout autrement de « Cast In Sigh » qui dépasse l’entendement. »
« En revanche, « Cast in Sigh » donne une interprétation toute différente du sujet qu’il serait difficile de restituer sans une confrontation directe à l’œuvre. »
« Une seule pièce surnage : « Cast in Sigh »  »
« Une occasion unique de découvrir « Cast in Sigh »"
« Le musée n’ayant pu payer le montant exorbitant de l’assurance « Cast in Sigh » ne figurera pas dans l’exposition »
« Pour « Cast in Sigh » il faudrait plutôt parler de Ready Trade tant l’évolution de la cote de cette pièce exemplaire dépasse l’entendement »
« Peu d’œuvres exc…

Picasso, Duchamp, Mondrian, Pollock, Warhol, Buren, Kosuth…

Deux questions à l’origine du projet:

Que donnerait leur action transposée, formellement, dans un contexte qui change totalement la donne physique, et esthétique ?

Quel serait l’équivalent non plus formel mais esthétique de chacun de ces questionnements ?

Le Projet :
Il consiste à transposer dans l’univers de la réalité virtuelle le travail d’un artiste. Il s’agit en fait d’une double transposition, formelle et esthétique. Ce sera l’occasion d’interroger les propriétés des espaces de substitutions dans leur capacité à absorber ou rejeter le questionnement artistique dans ses variations historiques.

Projet de carrière d’artiste: Titriste

L’esthétique n’accorde pas au titre le rôle qu’il mérite. Réminiscence d’une époque qui confondait, en peinture, titre et étiquette du négociant. Pourtant le titre dispute souvent au concept le raccourci qui fait, ou bien l’économie de la matière voire du passage à l’acte, ou encore le contrepoint révélateur, comme la dentelle de soie rouge qui dépasse de la jupe un rien trop stricte. Mais là je m’égare.

On n’attend plus la vérité en peinture, est-ce une erreur?

L’entropie a été imaginée comme la tendance profonde de l’univers à retourner au chaos. Est-ce le Chaos de la Genèse ou celui d’avant le Big Bang ? Dans cette dernière hypothèse l’entropie est la manifestation de la pulsion naturelle de l’univers à redevenir matière indifférenciée, non organisée.

N’est-ce pas là, une fois encore, la projection d’un fantasme humain : comme si le monde devait revenir à l’individu qui le pense avant que celui-ci n’ait été capable de le penser.

Si Googol est le terme inventé par Milton Sirotta, le neveu du mathématicien Edward Kasner en quête d’un mot pour désigner 10¹⁰⁰ (qui ensuite proposa ‘’Googolplex’’, 10^googol), soit la valeur supposée contenir l’ensemble des particules de l’univers, alors Il faudrait que cette valeur retourne au stade antérieur à sa formulation, dans la bouche et l’esprit de l’enfant qui la pensé ; ramenant l’univers avant le Logos qui l’énonce, qui en formule la limite, et qui propose la perspective désespérante, qui révèle que s’il nous est difficile de penser l’infini, nous avons toujours un mot pour en recouvrir la virtualité. Sans même avoir une conception solipsiste de l’univers on peut imaginer qu’il a la taille et la limite que chaque individu peut penser et donc, que tout est dit.

Ceci est un projet de carrière d’artiste fondé sur la multiplication d’actions visant à ramener le monde à soi.

PS. On me souffle que c’est probablement là, la définition la plus actuelle de l’artiste…